En Madre María, David Lowery retoma su poética de lo fantasmagórico con el propósito, supongo, de narrar una historia ajustada a las exigencias progresistas que suele imponer a A24 para distribuir ideología a través del mercado limitado de exhibición. Pero lo que me presenta durante dos fatigosas horas, me deja razonando los suficiente como para saber que Lowery ha desbloqueado un nuevo nivel en su filmografía porque, aparte de sus pretensiones discursivas ofrecidas por la actuación de Anne Hathaway, es un psicodrama que se convierte en un acto prolongado de banalidad sobre el poder, la identidad y la fama, que avanza como una pesadilla feminista que no acaba nunca. 

La trama sigue a Mother Mary, una cantante popular que, tras sufrir un accidente durante un concierto, se prepara para su regreso a los escenarios mientras reaparece en la vida de Sam, su antigua diseñadora de moda y amante, para pedirle un último vestido. 

Esta premisa, en un principio, me interesa hasta cierto punto por la manera en que se ajusta sobre las fórmulas del musical, el thriller y el drama psicológico que se suele presentar sobre celebridades en crisis. El problema fundamental, sin embargo, es que el guion de Lowery no se toma la debida molestia de añadir sustancia al desarrollo de la protagonista al margen de las obviedades y, a menudo, opta por justificar sus acciones sobre unas situaciones que se arreglan inútilmente a través de diálogos rebuscados y escenas expositivas. 

A nivel estructural, las escenas tienden a rellenarse sobre monólogos solemnes sobre desdichas, temores, vestidos, espectros. Hay un granero convertido en atelier para brujería, hay ropa flotando como fantasmas, hay referencias religiosas y hay, sobre todo, mucha, mucha charla sobre heridas, ambición, celos, posesión, vanidad y reapropiación. 

En la superficie, todo suena profundo hasta que me detengo a escuchar lo que realmente se está diciendo y descubro, en efecto, un discurso militantemente feminista sobre feminidad, fama y cosificación sexual; que se entiende como los traumas psicológicos de dos mujeres que se hicieron daño mutuamente en el pasado para aprovechar la oportunidad de ascender a la esfera del éxito lejos de los deseos obsesivos de poseer, y que ahora pretenden reconciliarse en un espacio simbólico de sororidad mediante un baño de retórica comunicativa sobre empoderamiento colectivo y sanación compartida. 

Esto es particularmente cierto porque Mary es una cantante que muestra sus heridas personales mientras canta, baila y rememora la traición afectiva hacia Sam en estado de arrepentimiento. El vestido rojo simboliza el sacrificio de la mujer exitosa que es cosificada por la presión sobre el cuerpo, la pérdida de autonomía y los excesos de la fama que la conducen a la caída del ego. Esta síntesis discursiva, sin embargo, abandona su coherencia al construirse sobre una capa progresista que, por añadidura, tiende a ser contradictoria al mostrar la relación idealista de Mary y Sam sobre un maniqueísmo que reduce el asunto a una relación de poder y dependencia, que nunca se atreve a mirar de frente la posibilidad de que dos mujeres también pueden ser egoístas, destructivas y competitivas sin que eso logre convertirlas en "víctimas" del patriarcado. En pocas palabras, predica de una manera hipócrita y moralmente selectiva su mirada sobre la frivolidad femenina en el mundo del espectáculo. 

Hathaway, al menos, ofrece una interpretación decente como la cantante que se mueve entre el arquetipo de diosa católica kitsch que se “libera” mostrando las heridas de cuerpo, aunque su personaje es unidimensional y solo sirve como accesorio decorativo del texto. Michaela Coel, por su parte, está completamente desaprovechada en un personaje que solo se muestra como víctima racial. 

En términos generales, la dirección de Lowery deposita sus pocas pericias en el diseño de vestuario conceptual, los decorados oníricos y las atmósferas sombrías que son fotografiadas con cierta actitud estética. Pero, desgraciadamente, ninguno de estos elementos permiten sacar del abismo a este producto dúctil y terriblemente plano sobre una estrella del pop.

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Ficha técnica
Título original: Mother Mary

Año: 2026
Duración: 1 hr. 51 min.
País: Reino Unido
Director: David Lowery
Guion: David Lowery
Música: Daniel Hart
Fotografía: Andrew Droz Palermo, Rina Yang
Reparto: Anne Hathaway, Michaela Coel, Hunter Schafer
Calificación: 4/10

En El libro de imágenes, Jean-Luc Godard recupera su poética de la imagen con el propósito, supongo, de examinar algunos conflictos sociopolíticos actuales entre Occidente y Oriente, organizado por una estructuralidad de montaje que también le permite mostrar un collage de imágenes archivadas sobre la historia del cine, la complejidad del arte y los registros históricos. Tuvo su estreno en la sección de competencia del Festival de Cine de Cannes, donde el jurado le otorgó una "Palma de Oro Especial" por primera vez como homenaje a su trayectoria como cineasta (de 88 años en el momento de su estreno) y las rupturas estéticas mostradas por su película en sí misma. 

Este reconocimiento, sin embargo, me invita a sospechar de la economía de prestigio festivalera porque, a decir verdad, me parece un ensayo visual estéril y particularmente vacuo, en el que Godard, con sus pretensiones formalistas, intenta reciclar la imagen-texto como un ejercicio de racionalismo estético que interroga de manera rebuscada el curso de la historia mediante el montaje, repitiendo referencias de Histoire(s) du cinéma (1998) y Adiós al lenguaje (2014), pero con escaso rigor argumentativo para defender su tesis política y filosófica. 

La estructura argumental se divide en cinco partes compuesta por imágenes en movimiento de películas, pinturas, reportajes, fotografías, frases literarias y archivos históricos, acompañados además por piezas musicales clásicas mientras se provee narración en voice-over del propio Godard y Anne-Marie Miéville que concluye con el relato ficticio de Samantar y Ben Kadem en un país imaginario del Golfo llamado Dofa. Estos cinco capítulos (más una coda) señalan como los dedos de la mano y se titulan: “Remakes”, “Las tardes de San Petersburgo”, “Las flores entre los raíles en el viento confuso de los viajes”, “El espíritu de las leyes” y “La región central-La Arabia Feliz”. 

En un principio, el asunto me resulta interesante por la manera en que Godard, apoyado sobre las fórmulas del documental rupturista de carácter poético-experimental y la estructura anacrónica de temporalidad heterogénea, se aproxima a cada uno de los "dedos narrativos" mostrando el cine clásico y moderno como examen de la historia del cine al testimoniar las atrocidades del siglo XX (la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto, el ISIS, el conflicto israelí-palestino, entre otros) que continúan cometiéndose en nombre de la política en pleno siglo XXI, además de abordar el compromiso político del cineasta para denunciar con la imagen las estructuras de poder y las consecuencias de los avances tecnológicos de la sociedad de consumo en la transición de imágenes analógicas y digitales. 

El problema fundamental, no obstante, es que Godard adopta una circularidad que debilita su proposición de la imagen-texto, donde las imágenes que chocan con las palabras tienden a construir un puente fragmentario de continuidad para establecer relaciones dialécticas de ideas dispersas "robadas" de otros. Por tal razón, la imagen-texto godardiana instaura una manipulación digital de los materiales robados que no produce nueva inteligibilidad porque, por añadidura, solo funciona como una asociación de signos rebuscados que se repiten sin orden "lógico" para esquematizar aquella hauntología derridiana que resuena en varias secuencias con los fantasmas del marxismo y exige una hermenéutica casi teológica para su decodificación. 

El montaje elíptico de Godard invoca aquí estos "fantasmas" marxistas para hablar en clave dialéctica sobre artes, trenes, injusticias, revueltas, guerras, revoluciones, imperialismo, crímenes, violencia política, violencia de representación, decadencia occidental y romantización oriental; que aparecen como restos espectrales de un relato que ya no sostiene ninguna praxis teleológica. Queda, por lo tanto, una pulsión de muerte formal: la compulsión a repetir el gesto del choque para degradar la imagen hasta el límite de la legibilidad y hacer regresar el mismo material perdido de opresores y oprimidos como totalidad historicista. La película no piensa la muerte del "proyecto revolucionario", pues más bien la escenifica como goce estético-textual de la destrucción de sentido al confirmar su "extinción". Y la “verdad” que pretende hacer visible a través de la imagen-texto, en teoría popperiana, no es más que una construcción historicista no falsable que se vuelve selectiva e intelectualmente deshonesta por su memoria de la omisión sobre la condición humana. 

En términos generales, la estética de Godard deposita algunas virtudes en el uso de la alteración cromática (brillo, contraste, saturación, color, blanco y negro), el primer plano, el sobreencuadre, la sobreimpresión, los intertítulos, el sonido diegético, el campo-contracampo. Estos elementos, en última instancia, le conceden cierta extrañeza visual a su experimentación sobre las mutaciones ontológicas de la imagen, pero, por desgracia, también documentan la fatiga formal y conceptual de un cineasta legendario que, a modo de testamento, deja su último largometraje como un manifiesto abierto de páginas en blanco. 

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Ficha técnica
Título original: The Image Book (Le Livre d'image)

Año: 2018
Duración: 1 hr. 28 min.
País: Francia, Suiza
Director: Jean-Luc Godard
Guion: Jean-Luc Godard
Música: N/A
Fotografía: Fabrice Aragno
Reparto (voces): Jean-Luc Godard, Anne-Marie Miéville
Calificación: 5/10

En Que Dios nos perdone, el director español Rodrigo Sorogoyen adopta las fórmulas del cine policial con la finalidad, supongo, de satanizar la ineficacia del orden público del gobierno en el contexto de la visita del Papa Benedicto XVI y las protestas de los indignados del movimiento 15-M durante 2011. Y ofrece algunos momentos de función detectivesca con Antonio de la Torre y Roberto Álamo, pero, por desgracia, me parece un thriller policial que frecuenta lugares comunes y se ve atropellado por irregularidades narrativas, durante dos largas horas que también me hacen cuestionar, en más de una ocasión, las decisiones de Sorogoyen para el excesivo metraje y su falta de ritmo. 

La trama sigue a dos inspectores de la policía con personalidades opuestas. El primero es Javier Alfaro, un policía impulsivo, violento, bebedor, irresponsable como padre de familia, y con un historial de excesos que lo tiene bajo investigación interna. El segundo es Luis Velarde, un detective introvertido, tartamudo, solitario y obsesivo que tiene una enorme perspicacia para deducir crímenes. Su misión es atrapar, con la máxima discreción, a un asesino en serie que viola y mata a ancianas en el centro de Madrid. 

Esta premisa, en un principio, me resulta interesante por la manera en que Sorogoyen emplea las claves del cine policial en parejas para mostrar, con cierto misterio y suspenso, las tareas de dos policías diametralmente opuestos en el servicio del deber para resolver un caso siniestro. 

El problema fundamental, no obstante, es que el guion debilita el desarrollo de los personajes al colocarlos, a menudo, sobre una inercia de situaciones circulares que se reparten entre los diálogos expositivos de la cotidianidad y las acciones investigativas del ejercicio policíaco. Esta circularidad, por añadidura, arrastra consigo debilidades narrativas que se manifiestan a nivel estructural a través de la investigación de Alfaro y Velarde al analizar las pistas en la escena del crimen; las discusiones familiares de Alfaro con su esposa y su hija; el romance de Velarde al enamorarse de la conserje de su apartamento; las frustraciones compartidas por Alfaro y Velarde al no poder hallar al asesino mientras aumenta el número de víctimas. 

Las escenas detectivescas poseen un realismo sórdido y crudo al exponer el proceso de los detectives cuando examinan cadáveres, así como una violencia abrupta que estalla como golpes de efecto. Pero hay tramos que se alargan innecesariamente para llegar a conclusiones predecibles. Los personajes secundarios solo sirven de relleno. La intriga policial simplemente se pierde. Y, además, algunas subtramas tienden al volverse esquemáticas al presentar cerca del tercer acto las explicaciones psicológicas que motivan al asesino sobre un contexto sociopolítico y religioso que luce rebuscado por esa capa maniqueísta que sataniza la moralidad de la institución católica bajo ciertas obviedades discursivas de izquierda progresista que cuestionan, además, la ética de la burocracia policial. 

Al margen de esta síntesis discursiva, las actuaciones de De la Torre y Álamo tienen una sobriedad expresiva que me convence. De la Torre consigue cierta autenticidad al interpretar, con sus gestos y las disfluencias de la voz, a un detective tartamudo que está atormentado por sus propios demonios internos. Álamo, por su parte, se roba varias escenas al interpretar a un policía autodestructivo e hiperviolento que cree que está por encima de la ley. La sinergia entre ambos, a veces, convierte el procedimiento policial en un estudio de dos hombres defectuosos que se miran, sin quererlo, en el espejo del asesino. 

En términos generales, la dirección de Sorogoyen deposita su mayor eficacia en el uso del encuadre móvil, el primer plano, y, ante todo, las atmósferas fotografiadas por Álex de Pablo, que captan a Madrid como una ciudad sucia, acalorada, asfixiante y moralmente degradada de día y de noche. Sorogoyen también permite que se escuche la banda sonora de Olivier Arson. Estos elementos, si bien están colocados de forma correcta, no impiden que el pulso se pierda al atravesar lo convencional, en una película genérica sobre dos detectives en crisis.

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Ficha técnica
Título original: Que Dios nos perdone

Año: 2016
Duración: 2 hr. 07 min.
País: España
Director: Rodrigo Sorogoyen
Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña
Música: Olivier Arson
Fotografía: Álex de Pablo
Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, María Ballesteros
Calificación: 6/10

La guerra de los últimos es una película de Ridley Scott que, en cierta medida, busca rastrear las claves de ese cine de supervivencia posapocalíptica que suele aparecer en la oferta de Hollywood, pero intentando funcionar, además, como una adaptación de la novela de Peter Heller. Su metraje de casi dos horas me deja con la sensación de que se siente solo como un ejercicio rutinario porque, a decir verdad, es un thriller postapocalíptico de Scott que promete llegar hasta las estrellas en un viaje con Jacob Elordi y Margaret Qualley, pero cuyo trayecto narrativo se precipita al vacío como una avioneta sin combustible, con una cantidad considerable de gratuidad que me hace cuestionar, en más de una ocasión, el guion de Mark L. Smith. 

La trama, ubicada en el contexto de una sociedad colapsada por una pandemia de gripe, sigue la vida de Hig, un piloto civil viudo que sobrevive en un aeropuerto abandonado de Colorado junto a su perro Jasper y Bangley, un exmarine paranoico y armado hasta los dientes; donde su existencia se reduce a patrullas en una vieja Cessna, saqueo de suministros y defensa del perímetro, pero cuando recibe una transmisión de radio misteriosa, se ve obligado a salir en busca de algo más, y termina topándose con la enfermera Cima y su padre, el irascible Pops. 

Esta premisa, en un principio, tiene un arranque que me resulta interesante al plantear el conflicto sobre los tropos habituales del drama psicológico, la aventura de acción y la ciencia-ficción posapocalíptica. Sin embargo, la propuesta pierde pulsión por las debilidades narrativas de un guion que no se toma la molestia de ampliar el desarrollo del protagonista lejos de las descripciones superfluas que justifican su motivación y, a menudo, opta por reducir las acciones a una serie de situaciones predecibles que se construyen sobre diálogos pretenciosos y exposición calculada. 

En este sentido, la película tropieza con una circularidad que carece de gancho al mostrar las rutinas diarias de Hig con su perro por los bosques; las sospechas de Bangley para disparar a distancia con su rifle a los Reapers que intentan invadir la propiedad; la relación romántica que tiene Hig con Cima luego de compartir las mismas heridas del pasado. Estas escenas ponen de manifiesto temas que exploran la soledad, la esperanza residual y la necesidad de conexión humana sobre el aislamiento. Pero no hay grandes revelaciones. El material abandona la cohesión hasta volverse disperso, sin riesgo ni tensión, sin ninguna profundidad psicológica al gravitar sobre las obviedades, avanzando a un ritmo irregular que se reparte entre secuencias de supervivencia, conversaciones íntimas, patrullaje aéreo y tiroteos expositivos que solo extienden innecesariamente una narración que de por sí es demasiado convencional para tomarla en serio. 

Elordi trata de imponer su expresividad estoica para interpretar a Hig como un mecánico honesto afectado por la muerte de su esposa y el fuerte vínculo con su perro porque aún cree en la humanidad, pero su presencia física no ayuda a farmear aura, en un guion que no le da aristas ni contradicciones psicológicas al personaje moralmente impoluto que interpreta. Qualley aporta algo de química con Elordi, pero su personaje solo queda como interés romántico. Entre ellos dos, Brolin se roba unas cuantas escenas como el arquetipo del tipo duro que sobrevive y mata a los malos con metralleta en mano. 

En términos generales, la dirección de Scott es, por lo menos, correcta al depositar algunas virtudes en la construcción de la atmósfera posapocalíptica que se beneficia, hasta cierto punto, de los escenarios que decoran los sitios abandonados y de un trabajo de fotografía solvente de Erik Messerschmidt, que logra captar las panorámicas de esos paisajes boscosos, bajo una textura compositiva iluminada por luz natural. Estos elementos, sin embargo, no logran añadirle sustancia a una película que, en definitiva, se convierte en un producto anodino que solo sirve como labor de autoindulgencia, de un director que sigue rodando a los 88 años con admirable obstinación.

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Ficha técnica
Título original: The Dog Stars

Año: 2026
Duración: 1 hr. 58 min.
País: Estados Unidos
Director: Ridley Scott
Guion: Mark L. Smith, Christopher Wilkinson
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong, Allison Janney
Calificación: 5/10

En Tan negro como el carbón, el director chino Diao Yinan recupera su poética de lo sombrío con la finalidad, supongo, de mostrar sus inquietudes sobre la industrialización en la modernidad china. Fue galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín, aunque su metraje de 110 minutos me hacen dudar de las aclamaciones que ha recibido porque, a decir verdad, detrás de ese barniz festivalero se esconde un thriller de misterio insulso y deliberadamente opaco, cuyo ejercicio de estilo neo-noir solo funciona como pretexto rebuscado de Diao para manifestar el presunto malestar de la desolación industrial china. 

La trama sigue la vida de Zhang Zili, un detective de la policía que investiga junto a su compañero los crímenes horrendos de un asesino en serie que suele desmembrar a sus víctimas antes de esparcir los restos por varias fábricas de carbón en la provincia de Heilongjiang en el año 1999, aunque el caso se enfría luego de un tiroteo durante una operación fallida, donde cinco años después, ya convertido en un alcohólico degradado que trabaja de guardia de seguridad, reaparece el mismo patrón de crímenes vinculado a la viuda del primer muerto, Wu Zhizhen, una mujer sinuosa que trabaja en una tintorería, por lo que decide seguir investigando por su cuenta. 

En términos generales, la narrativa arranca de una manera interesante al estructurar el asunto sobre las fórmulas habituales del neo-noir que sigue el esquema del policía caído, la femme fatale taciturna y el pasado que no se cierra. El problema fundamental, no obstante, es que el guion de Diao no se toma la molestia de desarrollar la psicología del protagonista más allá de las descripciones que condicionan su motivación y, a menudo, opta por reducir sus acciones a una circularidad de situaciones que intenta dimensionar el conflicto sobre diálogos expositivos y giros predecibles, sin que haya algún golpe de efecto que amplifique la intriga. 

La pulsión de las escenas, por lo regular, avanza a trompicones sin que se pueda esquematizar el componente psicológico interno de cada personaje, además de que el tono sobrio se intercala con estallidos de violencia que me resultan gratuitos. El ritmo simplemente tropieza hasta volverse fatigoso cuando la investigación propiamente dicha queda relegada a un segundo plano casi decorativo, reducida a la obsesión de Zhang al seguir a Wu por las calles nevosas solo para reafirmar la obviedad de que “todos los hombres que se acercan a ella mueren”. Básicamente, las piezas del tercer acto se revelan de una manera forzada, como si el guion hubiera sido recortado de una versión mucho más larga (se habla de un primer corte de casi cuatro horas) sin cuidar la coherencia. 

La actuación de Liao Fan me parece ligeramente convincente al ejercer su expresividad para interpretar a Zhang como un detective afectado por el pasado, aunque tengo la sensación de que a su personaje le falta profundidad psicológica y solo permanece como el estereotipo apagado del policía ético y autodestructivo. Gwei Lun-mei, por su parte, ofrece una interpretación contenida como la mujer enigmática que oculta algunas verdades, a pesar de que su complejidad no es tan explorada lejos de lo dialógico. 

Con estos actores Diao, construye un comentario sobre la "alienación" producida por la industrialización y las consecuencias de la violencia de género en la sociedad china, a menudo con una significación simbólica ―el hielo, el carbón, los fuegos artificiales, la pista de patinaje― que busca subrayarlo a través del fuera de campo, el primer plano, el uso del color, la elipsis y, asimismo, las panorámicas absorbentes de Dong Jingsong, que captan la soledad urbana que hay detrás de las atmósferas frías. Estos elementos, que se integran con cierta solvencia en la puesta en escena, manifiestan la actitud estética de Diao para la construcción narrativa, pero, por desgracia, no son suficientes para corregir las deficiencias estructurales detrás de unas pretensiones textuales que son, a mi parecer, acríticas y bastante obvias.

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Ficha técnica
Título original: Black Coal, Thin Ice (Bai ri yan huo)

Año: 2014
Duración: 1 hr. 50 min.
País: China
Director: Diao Yinan
Guion: Diao Yinan
Música: Wen Zi
Fotografía: Dong Jingsong
Reparto: Liao Fan, Gwei Lun-Mei, Wang Xuebing, Yu Ailei
Calificación: 5/10

Código: Venganza es una película de Jean-François Richet que, de alguna manera, trata de recuperar las viejas fórmulas genéricas de ese cine de acción en el mar que, además, pretende ser otro vehículo para que Jason Statham demuestre que todavía puede partir cabezas con eficacia a la edad de 59 años. El resultado supone, para mi gusto, un thriller de acción de 95 minutos que, a pesar de avanzar a cierto ritmo, frecuenta demasiados lugares genéricos en alta mar y es tan predecible que casi duele con el farmeo de aura de Statham como el tipo letal. 

La trama sigue a Cole Reed, un antiguo policía y exmarine que trabaja como jefe de seguridad de un magnate naviero tailandés, pero cuyo oficio se complica cuando atestigua el asesinato de su jefe y es acusado del crimen, por lo que decide limpiar su nombre y vengarse al embarcarse en un carguero donde, asimismo, descubre una conspiración internacional de tráfico de personas. 

Desde el principio, la narrativa adopta la fórmula básica del cine de acción que suele girar en torno a un antihéroe atrapado en un barco, que mata con pistola en mano a todo el que se atraviese en su camino mientras investiga a la red criminal. El problema principal, sin embargo, es que el guion no se toma ni siquiera la molestia de desarrollar al protagonista más allá de las descripciones obvias que justifican su motivación y, a menudo, opta por colocarlo en un círculo de situaciones previsibles que se soluciona sobre la base de clichés, one-liners y acciones expositivas. 

En este sentido, la narrativa pierde fuerza al operar sobre unos facilismos que se prolongan a través de la misión de Reed cuando se convierte en una máquina de matar que elimina uno a uno a los miembros de la tripulación; la colaboración de Reed con una oficial llamada Angie para liberar a los rehenes; las órdenes del capitán Marko Madsen sobre sus secuaces para eliminar a Reed y a Angie; la investigación de Reed para descubrir la verdad del barullo incriminatorio antes de enfrentar al villano genérico en cubierta. No hay giros de tuerca o golpes de efecto que me sorprendan. Las secuencias de acción, contenidas en los pasillos estrechos del barco, carecen de tensión porque nunca hay duda de quién va a ganar cuando Reed utiliza el gancho, el arpón, el hacha o la metralleta para resolver el conflicto por la vía fácil de la violencia gore. 

El propio Statham parece haber entrado en piloto automático, pues demuestra aquí que todavía tiene pericia física para lucir creíble en las escenas de pelea o los combates con armas, aunque su personaje es solo una copia más de ese estereotipo que ha perfeccionado con los años: el antihéroe taciturno con rostro serio que en su defecto es violento y duro de matar, con el mismo pasado traumático y la misma capacidad sobrehumana de resistir los castigos físicos antes de matar a los malos porque siempre está tres pasos por delante. Statham tampoco tiene química con Annabelle Wallis, que aparece como secundaria en el inevitable papel de interés romántico y aliada funcional. Básicamente todo lo que hace confirma que, como actor, se ha instalado cómodamente en un molde que ya no sorprende a nadie porque, a decir verdad, los productores solo ofrecen con él la garantía de verlo al mismo tipo haciendo las mismas cosas en un escenario ligeramente distinto. 

La dirección de Richet, en términos generales, deposita sus puntos fuertes en los escenarios herméticos del barco encuadrado entre metal y tuberías sobre espacios cerrados, pero sus pretensiones por coreografías brutales y continuas de acción a puerta cerrada anulan cualquier posibilidad de entretenimiento por su capa rutinaria. Richet, al menos, permite que se escuche una banda sonora de Marcus Trump en algunas atmósferas. Nada de esto, sin embargo, evita que esta película suya sea solo un naufragio formulaico del cine de acción.

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Ficha técnica
Título original: Mutiny

Año: 2026
Duración: 1 hr. 35 min.
País: Estados Unidos
Director: Jean-François Richet
Guion: J.P. Davis, Lindsay Michel
Música: Marcus Trump
Fotografía: Brendan Galvin
Reparto: Jason Statham, Annabelle Wallis, Adrian Lester, Roland Møller, Jason Wong
Calificación: 5/10

Un amigo para Frank es una película de Jake Schreier que ofrece, a mi modo de verlo, una premisa interesante sobre el futuro no tan lejano de la robótica en la vida cotidiana. En apenas hora y media, se beneficia hasta cierto punto de una actuación sobria de Frank Langella, pero, en la práctica, como comedia dramática de ciencia-ficción permanece en una zona superficial y previsible que desperdicia su potencial, dejándome con la sensación de que hay una ligera falta de gancho detrás de su comentario sobre vínculos familiares y el impacto de la tecnología en la vejez. 

La trama, ambientada en un futuro cercano, sigue la historia de Frank, un anciano y antiguo ladrón que vive solo en su casa mientras sufre un deterioro mental producido por la demencia, pero cuya vida cambia cuando recibe de su hijo Hunter un robot asistente programado para brindarle cuidados terapéuticos y rutinas caseras, el cual poco a poco se convierte en su cómplice para planificar también pequeños robos nostálgicos. 

En un principio, la narrativa me llama la atención por la manera en que se suele estructurar sobre las claves del drama, la comedia y la ciencia ficción para mostrar la colaboración ética entre el humano y el robot. El problema fundamental, no obstante, es que el guion de Christopher D. Ford no se toma la molestia de ampliar el desarrollo del protagonista más allá de las obviedades descriptivas que inducen sus motivaciones y, por si fuera poco, debilita el aparato de sus acciones al colocarlo sobre una serie de situaciones circulares que le quitan pulso dramático por las pretensiones expositivas. 

En este sentido, no puedo evitar quedar atropellado por la circularidad de escenas que tiende a debilitar el conflicto entre las actividades cotidianas de Frank al acudir a una biblioteca para ganarse el afecto de una bibliotecaria; las instrucciones que Frank le proporciona al robot para realizar atracos y sus asuntos delictivos; las conversaciones familiares de Frank con su hijo Hunter y su hija Madison; la amistad inesperada de Frank al apreciar a su compañero robótico como a un humano. 

Detrás de cada escena, todo avanza a base de discusiones superfluas y los típicos giros que se anuncian con kilómetros de antelación. Y el arco, a menudo, me resulta mecánico al mostrarlo todo de forma acomodaticia: el anciano es un ladrón retirado que se resiste a olvidar el pasado y extraña la adrenalina del robo, mientras el robot es el fiel ayudante programado para "mejorar su calidad de vida" con lógica fría. No hay verdadero riesgo dramático. Las subtramas aquí son algo esquemáticas cuando algunos personajes entran solo como una brújula moral para puntualizar los temas sobre los lazos familiares, la pérdida de la memoria y la distancia afectiva. Básicamente, la narrativa no se atreve a dejar cabos sueltos ni a explorar las consecuencias más inquietantes de su premisa, y, entre otras cosas, opta por cerrar con una nota de aceptación y nostalgia algo calculada. 

La actuación de Langella, por lo menos, consigue un acto de sobriedad expresiva al interpretar a Frank con un carisma que se sostiene a través de los gestos desenfadados cuando habla con el robot, aunque su personaje parece escrito en clave de “viejo gruñón con corazón de oro” y el material no explora su fragilidad sin ir más allá de la superficie. Peter Sarsgaard, por su parte, hace lo que puede al emplear su voz para ajustarla a lo que dice el robot con comentarios lógicos, pero su personaje es solo un accesorio cosmético. 

En términos generales, la dirección de Schreier trata de mezclar los géneros con un humor seco y un tono sentimentaloide, en una puesta en escena funcional que apenas deposita sus pocas virtudes en ciertos decorados futuristas y en el diseño peculiar del robot. Schreier permite, además, que se escuche la banda sonora melancólica de Francis Farewell Starlite. Pero, desafortunadamente, ninguno de estos elementos evitan los facilismos manidos de su ópera prima.

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Ficha técnica
Título original: Robot & Frank

Año: 2012
Duración: 1 hr. 29 min.
País: Estados Unidos
Director: Jake Schreier
Guion: Christopher D. Ford
Música: Francis Farewell Starlite
Fotografía: Matthew J. Lloyd
Reparto: Frank Langella, James Marsden, Liv Tyler, Susan Sarandon, Peter Sarsgaard, Jeremy Strong
Calificación: 5/10