En 1940, Rouben Mamoulian, uno de los directores más versátiles y estilizados de Hollywood, entregó con La marca del Zorro una nueva versión del clásico héroe enmascarado, iniciando así su entrada al cine de acción dentro del subgénero swashbuckler. Su película intenta funcionar como otra adaptación de la novela La maldición de Capistrano de Johnston McCulley, además de ser un remake de La marca del Zorro (1920). Dura apenas una hora y media, pero esto es más que suficiente como para hacerme saber que es una aventura de capa y espada entretenida de Mamoulian, que además mantiene cierta elegancia con las coreografías de esgrima y la presencia carismática de Tyrone Power como el mítico héroe enmascarado. 

La trama se ubica en la California mexicana de principios del siglo XIX y sigue a Don Diego Vega, un joven aristócrata educado en España que regresa a casa para encontrar su tierra oprimida por el corrupto gobernador Don Luis Quintero y el temible capitán Esteban Pasquale, a los cuales enfrenta por las noches adoptando la identidad secreta de Zorro, un vengador enmascarado que lucha por los campesinos y desafía a los tiranos. 

En general, esta premisa sencilla sirve como base para establecer el conflicto sobre las fórmulas habituales del cine de acción y la aventura de capa y espada, donde el héroe emplea sus habilidades con las armas y su ingenio para enfrentar a los villanos. El guion, por añadidura, se toma el tiempo necesario para desarrollar la psicología del protagonista sobre el juego de identidades, además de colocarlo en una serie de situaciones que guardan su factor sorpresivo detrás de los diálogos irónicos y la misión personal de Zorro como luchador de la justicia. 

De este modo, permanezco completamente enganchado en cada una de las escenas donde se muestra las actividades nocturnas en las que el Zorro combate contra los soldados antes de dejar su marca en forma de Z y subir la recompensa por su notoriedad; el plan del alcalde corrupto y su oficial para tratar de descubrir la identidad de El Zorro; el romance entre Diego y la hija del alcalde llamada Lolita; las discusiones de Diego con el fraile Felipe antes de revelarle su identidad; las maniobras astutas de El Zorro para robar el dinero de los abusivos impuestos cobrados por el alcalde y devolvérselo a los pueblerinos. 

En todas las escenas, Mamoulian combina la acción trepidante —saltos, duelos, persecuciones— en medio de un equilibrio narrativo que retiene cierta fluidez y ritmo para cohesionar el relato, además de procurar una comentario particularmente sutil sobre la injusticia, la corrupción burocrática y la ética del heroísmo. 

A pesar de ligeros facilismos, el asunto preserva su pulso por la actuación de Power en el rol protagónico. Su carisma natural brilla tanto en la faceta de Don Diego, un galán encantador y sarcástico que roba risas con su fingida debilidad, como en la de Zorro, un espadachín ágil, audaz y romántico; demostrando además su pericia física para las escenas del combate de esgrima que ponen de manifiesto su agilidad con la espada. Basil Rathbone, por su parte, interpreta al capitán Pasquale como un antagonista elegante, cruel y letal, que demuestra también una destreza particular para la esgrima. Ambos actores se lucen en la climática secuencia del duelo a muerte donde sus personajes chocan los sables con una coreografía tensa de maestría y movimiento. 

En este sentido, la dirección de Mamoulian logra encuadrar a sus actores en una puesta en escena que, por defecto, deposita sus virtudes en el diseño de vestuario, los decorados de la época, el primer plano, el plano panorámico, el sonido diegético y las atmósferas que se benefician de la iluminación encuadrada por la cámara de Arthur C. Miller. Mamoulian también permite que la banda sonora de Alfred Newman se destaque con su leitmotiv sinfónico. Estos elementos, en última instancia, hacen de su película un entretenimiento bastante sólido y memorable del cine clásico.

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Ficha técnica
Título original: The Mark of Zorro

Año: 1940
Duración: 1 hr 34 min
País: Estados Unidos
Director: Rouben Mamoulian
Guion: John Taintor Foote, Garrett Fort, Bess Meredyth
Música: Alfred Newman
Fotografía: Arthur C. Miller
Reparto: Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard, Eugene Pallette, J. Edward Bromberg
Calificación: 7/10

Con una duración de tres horas y media, Helena de Troya es una película muda del director alemán Manfred Noa que constituye, en cierta medida, una adaptación sobre el poema La Ilíada de Homero, que durante muchos años se consideró parcialmente perdida hasta que fue reconstruida a partir de una versión encontrada en archivos suizos. Originalmente, fue estrenada en dos partes —El rapto de Helena y La caída de Troya— que adaptan el material literario con ciertas libertades creativas, aunque su producción fue tan costosa que perjudicó seriamente las finanzas de la productora Bavaria Film. 

La versión restaurada que he podido ver me hace pensar lo suficiente como para saber que, a una escala visual, es una epopeya silente que refleja la ambición de Noa para construir los escenarios enormes que reproducen la guerra de Troya, pero tropieza con debilidades narrativas que le quitan fuerza al relato como el talón de Aquiles, donde tengo la impresión de que el asunto tiende a volverse innecesariamente largo y desigual en algunas escenas melodramáticas. 

La trama, desarrollada a lo largo de varios años, sigue la travesía de Helena, la mujer más hermosa de Grecia y reina de Esparta que interrumpe el matrimonio con el rey Menelao cuando el príncipe troyano, Paris, inducido por las alucinaciones de Afrodita, la seduce para llevarla consigo a Troya, un acto que muchos consideran como un rapto antes de desencadenar una guerra que condena la familia troyana del rey Príamo. 

En términos generales, esta premisa tiene un arranque más o menos interesante que se manifiesta, entre otras cosas, por la manera en que rastrea las claves del relato homérico sobre una mezcla genérica entre la épica histórica y el drama romántico. El problema, sin embargo, es que el guion no desarrolla a los personajes fuera de las descripciones nimias y, a menudo, opta por colocarlos en un epicentro de acción expositiva que adolece de profundidad psicológica en cada una de las escenas de conversaciones y situaciones predecibles. 

En este sentido, permanezco en estado de abulia cuando se muestra la relación íntima entre Helena y Paris; la actitud del rey Príamo al rechazar las profecías sobre la caída de su reino; las habilidades de Aquiles como líder militar y héroe invencible; el plan del rey Menelao junto con su hermano Agamenón para invadir a Troya; la muerte de Héctor al ser atravesado por la lanza de Aquiles; la valentía de Paris al lanzar una flecha en el talón de Aquiles para derrotarlo; la estrategia de Ulises para poner fin a la guerra con el Caballo de Troya. 

Hay discusiones políticas, carreras de cuadriga, combates cuerpo a cuerpo, batallas interminables. Sin embargo, nada de esto evita una pérdida gradual de ritmo que, de igual modo, afecta la cohesión narrativa. Aunque se mantiene fiel al espíritu homérico, casi no hay sutileza detrás de los tópicos sobre el poder del amor, la búsqueda de gloria y el sufrimiento de la guerra. 

Por lo menos, las interpretaciones del reparto consiguen ofrecer algo de credibilidad. Edy Darclea encarna una Helena de gran presencia física y belleza etérea, aunque carece de matices. Vladimir Gajdarov aporta algo de expresión al timorato Paris. Y Carlo Aldini se roba casi todas las escenas al ejercer su corpulencia y rostro estoico para ponerse en la piel del héroe Aquiles. El resto del reparto también aporta autenticidad a los secundarios. 

Técnicamente, la dirección de Noa logra depositar sus virtudes sobre una puesta en escena que expone su uso del gran plano general, los efectos especiales de sobreimpresión, el diseño de vestuario y los decorados suntuosos que evocan la atmósfera mítica de la Antigüedad griega. Las secuencias de batallas, con coreografías bélicas y miles de extras en sets masivos, me parecen un testimonio del cine mudo alemán para tratar de alcanzar el esplendor épico, pero también un ejemplo de cómo la desmesura puede ahogar una historia mitológica hasta volverla fatigosa.

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Ficha técnica
Título original: Helena

Año: 1924
Duración: 3 hr 24 min
País: Alemania
Director: Manfred Noa
Guion: Hans Kyser
Música: N/A (muda)
Fotografía: Ewald Daub, Gustave Preiss
Reparto: Edy Darclea, Vladimir Gajdarov, Carlo Aldini, Carl de Vogt, Albert Steinrück, Adele Sandrock, Friedrich Ulmer
Calificación: 6/10

Citizen Vigilante es una película de Uwe Boll que, en cierta medida, marca el regreso de Armie Hammer al estatus de protagonista después de haber sido moralmente condenado por la cultura de la cancelación. El metraje de apenas 89 minutos me obliga a pensar lo suficiente como para saber que, como thriller tiene una actuación eficaz de Hammer junto a un comentario pertinente sobre la ética judicial y la corrupción institucional, pero, por desgracia, se ve ejecutado por una narrativa anodina y predecible que carece de gancho para poner las partes en orden. 

La trama, ubicada en una ciudad europea sin nombre, sigue a Michael Sanders, un enigmático empresario y exoficial del ejército estadounidense que se muda a Europa tras heredar un negocio inmobiliario, donde además de dedicarse a la actividad empresarial suele caminar por los vecindarios para cazar y eliminar a los delincuentes que cometen crímenes violentos antes de ser indultados bajo total impunidad, ejerciendo la labor de un asesino profesional que toma la justicia en sus manos y adquiere cierta notoriedad en las redes sociales. 

En general, esta premisa funciona como base para establecer el conflicto con las fórmulas del thriller de acción, en una estructura narrativa no lineal donde el protagonista frecuentemente narra todo durante un interrogatorio. Sin embargo, el guion de Boll no se toma la molestia de añadir sustancia al desarrollo de Sanders más allá de las descripciones que sustentan su motivación, además de que opta por reducir sus acciones a unas situaciones rutinarias que se limitan a giros rebuscados, diálogos expositivos y subtramas inconexas que nunca se resuelven. 

Estos inconvenientes narrativos se manifiestan, con frecuencia, en las ejecuciones de Sanders como justiciero despiadado que persigue a burócratas corruptos y matones impunes mientras es buscado por la policía; la investigación del jefe de la Interpol para arrestar al justiciero; la visita de Sanders a la casa de las mujeres que son víctimas de violación para ofrecer su apoyo y rastrear a los victimarios para matarlos. Además, la narrativa pierde el pulso al caer en secuencias repetitivas de reuniones, caminatas por las calles y asesinatos programados. 

Boll no sabe cohesionar el conjunto porque, entre otras cosas, recurre a violencia gratuita con la finalidad de mostrar un discurso sobre la ética judicial y la corrupción burocrática, entendida como la misión de venganza de un hombre que, en su accionar individual, elude los sistemas legales para perseguir criminales y "corregir" el sistema fallido. 

Este eje temático mantiene la coherencia al cuestionar las fallas institucionales y las políticas públicas de izquierda progresista que, en el caso de la Unión Europea, socavan la democracia importando inmigración descontrolada. A través de la ambigüedad moral del protagonista, se expone cómo jueces y funcionarios se ven atrapados entre el imperativo legal de proteger a los ciudadanos y las directrices políticas que exigen cuotas migratorias, multiculturalismo forzado y corrección ideológica por encima de la seguridad, el Estado de derecho y la cohesión social. Boll consigue exponer, de este modo, las contradicciones de estas políticas suicidas  —aumento de la delincuencia, caos migratorio, sobrecarga de servicios públicos y erosión de la confianza democrática— sin caer en lo didáctico. 

Hammer, de igual forma, entrega una interpretación que me resulta particularmente creíble al transmitir la rabia, la elocuencia y la frialdad de un antihéroe con un pasado oscuro hastiado de las autoridades que prostituyen la ley. Su trabajo es de lo poco que se sostiene con sus gestos, silencios y diálogos elocuentes. 

Técnicamente, la dirección de Boll presenta algunas deficiencias en el montaje errático, escenas innecesariamente largas y unas secuencias de acción con coreografías torpes, además de un uso mediocre del CGI que me recuerdan producciones de los años 2000. Pero, al menos, permite que la fotografía de Mathias Neumann capture la atmósfera ordenada y opresiva por esa textura compositiva que da la impresión de laberinto urbano. Desafortunadamente, nada de esto me impide pensar que esta película suya es demasiado convencional como para tomarla en serio.

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Ficha técnica
Título original: Citizen Vigilante

Año: 2026
Duración: 1 hr 30 min
País: Croacia
Director: Uwe Boll
Guion: Uwe Boll
Música: Rodolfo Matulich
Fotografía: Mathias Neumann
Reparto: Armie Hammer, Costas Mandylor, Désirée Giorgetti, Neb Chupin
Calificación: 5/10

La vigilante del futuro: Ghost in the Shell es una película de Rupert Sanders que, en cierta medida, intenta funcionar como un remake occidentalizado de aquella mítica película de anime Ghost in the Shell (1995). Lo que me encuentro en sus casi dos horas no se acerca ni de broma a la profundidad filosófica de la obra Mamoru Oshii porque, a decir verdad, tiene un apartado visual que se nota pulido en la superficie, pero su epicentro de acción se descarga sobre secuencias que carecen de gancho con su trama predecible sobre la cyborg fantasmal interpretada por Scarlett Johansson. 

La trama, situada en un futuro cercano, sigue a Killian, una agente que ha alcanzado el rango de Mayor en la Sección 9 de la unidad antiterrorista del gobierno, trabajando junto a los agentes Batou y Togusa bajo las órdenes del Jefe Daisuke Aramaki, con el fin de ejecutar misiones especiales para eliminar amenazas terroristas gracias a las mejoras cibernéticas implementadas por la corporación Hanka Robotics —su cuerpo artificial es una envoltura robótica que contiene su cerebro humano—; pero cuyo destino se ve interrogado con la llegada de un villano misterioso que se conecta a su pasado y es el responsable detrás de los asesinatos a ejecutivos de la empresa. 

Por añadidura, esta premisa estructura el conflicto narrativo sobre la base del thriller policial y la ciencia ficción de carácter cyberpunk, donde la protagonista busca respuestas a sus recuerdos fragmentados mientras ejerce sus habilidades para neutralizar a los objetivos. Sin embargo, el guion establece las coordenadas del material fuente sin llegar a ampliar lo suficiente el desarrollo de la protagonista y, a menudo, opta por conducir sus acciones por una serie de situaciones previsibles que no logran añadir algo distinto más allá de las secuencias de acción replicadas y los diálogos expositivos que tratan de lucir profundos. 

Estos inconvenientes solo consiguen que reciba con cierta indiferencia los asuntos que suceden con las discusiones que sostiene Killian con la doctora Ouelet para intentar comprender el laberinto de su pasado; las intenciones del empresario Cutter para ocultar las pruebas de los experimentos fallidos de su compañía; las operaciones policiales ejecutadas por Killian junto a Batou para rastrear a los responsables del incidente de la geisha hackeada. 

Hay misterio, tiroteos, persecuciones, explosiones, peleas cuerpo a cuerpo. Pero la trama simplifica la compleja exploración sobre la identidad, la conciencia y el alma ("ghost") en un cuerpo artificial ("shell"), dando lugar a planteamientos superficiales que disuelven la densidad filosófica para colgar una historia de venganza y conspiración bastante convencional, con giros anticipados y un tercer acto genérico. 

Además, el enfoque hollywoodense que le da Sanders cae en una zona rebuscada al elaborar su comentario sobre el impacto tecnológico y la inteligencia artificial bajo una capa maniquea que critica la función empresarial detrás de la innovación y, a la vez, reafirma de forma simplista el poder tecnocrático para controlar la tecnología (donde las corporaciones aparecen como entidades inherentemente siniestras, mientras que las agencias gubernamentales se presentan como guardianes necesarios de la ética y el orden). 

Al margen de esto, Johannson entrega una interpretación sólida: transmite la vulnerabilidad y la frialdad robótica de un ser que cuestiona su propia humanidad, aportando espíritu a un personaje que podría haber sido meramente mecánico. El elenco de apoyo, con Pilou Asbæk y Juliette Binoche, cumple su función sin desequilibrar. 

Dicho esto, la dirección de Sanders me resulta, por lo menos, algo aceptable al depositar sus mayores aciertos en el diseño de vestuario, los escenarios futuristas y las atmósferas fotografiadas por Jess Hall, que crean una distopía hipnótica con hologramas flotantes, neones vibrantes y paisajes urbanos. Sanders también deja que se escuche la banda sonora de Clint Mansell y Lorne Balfe con su ambient electrónico. Nada de esto, en resumen, evita que su remake me parezca una experiencia irregular que, pese a su estética cyberpunk, no consigue alcanzar el pulso requerido para no ser olvidable.

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Ficha técnica
Título original: Ghost in the Shell

Año: 2017
Duración: 1 hr 47 min
País: Estados Unidos
Director: Rupert Sanders
Guion: William Wheeler
Música: Clint Mansell, Lorne Balfe
Fotografía: Jess Hall
Reparto: Scarlett Johansson, Pilou Asbæk, Takeshi Kitano, Michael Pitt, Juliette Binoche
Calificación: 6/10

En Minions, me encuentro con una película de Pierre Coffin y Kyle Balda que, en cierta medida, se presenta como un spin-off de la saga Mi villano favorito, centrado en los icónicos minions amarillos que siempre hacen travesuras. Al margen de un diseño de animación particularmente pulido, siento que no está a la altura de las antecesoras y, en ocasiones, termina siendo un ejercicio caótico y sin gracia que prioriza hasta la náusea el merchandising de los traviesos amarillentos, durante 90 minutos de metraje que se estiran innecesariamente en medio de gags repetitivos y diálogos ininteligibles. 

La trama, ubicada luego de un prólogo que explica los orígenes ancestrales de los minions como seres que existen únicamente para servir a los amos más despreciables de la historia, sigue a tres minions llamados Kevin, Stuart y Bob durante en 1968 al emprender una búsqueda para encontrar un nuevo jefe al que seguir, luego de abandonar su pueblo por la falta de motivación —entristecidos porque siempre terminan matando accidentalmente a sus jefes y ya no encuentran a quien servir—; pero cuya travesía por Nueva York cambia cuando son contratados por Scarlet Overkill, una villana que aspira a robar la corona de la reina de Inglaterra. 

En general, esta premisa sencilla establece las bases del conflicto sobre las fórmulas del cine animado de aventuras y la comedia negra slapstick vista en la franquicia de Despicable Me, donde la torpeza de los minions siempre provoca algún accidente que entorpece los planes malévolos de su jefe. Sin embargo, el guion manifiesta sus debilidades al colocar a los personajes sobre un epicentro expositivo que se vuelve demasiado predecible en cada una de las situaciones circulares donde los protagonistas tropiezan, gritan “banana” y destruyen todo a su paso sin que exista un verdadero gancho. 

De esta manera, permanezco en completo estado de indiferencia al ver el caos de los minions cuando hacen autostop con una familia de ladrones antes de ir a la convención de villanos; la odisea de los otros minions al intentar viajar por el mundo para encontrarse con sus amigos en NY; la servidumbre de los minions al ayudar a Scarlet para robar la corona imperial de la Reina Isabel II en la Torre de Londres; la perversidad de Scarlet para enviar al calabozo a Kevin, Stuart y Bob antes de que estos escapen. 

Hay chistes, persecuciones por calles londinenses, momentos absurdos en la Abadía de Westminster y las famosas escenas en que los minions hablan su famoso lenguaje “minionés” (mezcla de español, inglés, italiano y sonidos guturales), aunque el asunto pasa de ser un gimmick a una tortura auditiva después de los primeros diez minutos. Todo se reduce a humor físico repetitivo: caídas, explosiones, ojos saltones y charloteos. No hay wit, no hay ironía. Además, por la parte discursiva se intenta abordar los temas de la amistad y la lealtad, pero la síntesis se siente forzada porque, entre otras cosas, presenta los síntomas tempranos de esas ideas progresistas de Hollywood que se muestran con cierta urgencia sobre una sinergia de acción bastante rara entre los personajes. 

Por lo menos, veo algo de autenticidad en el trabajo de doblaje que deposita Sandra Bullock modulando la voz villanesca de Scarlet, a pesar de ser una villana superficial que solo rellena motivaciones convencionales. 

Visualmente, además, los directores consiguen depositar algunas cosas interesantes en el diseño de los personajes y la animación competente que renderiza los distintos escenarios detallados y vintage por los que viajan los minions en los 60. Los directores también permiten que se escuchen algunas canciones pop de los 60 como “You Really Got Me” o “Happy Together” dentro de la lista de reproducción de la banda sonora. Nada de esto, en última instancia, evita que esta película suya, con su superficie plana, suponga lo peor del cine familiar corporativo actual: una franquicia que explota sin creatividad sus propias fórmulas hasta volverse tediosa y aburrida. 

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Título original: Minions

Año: 2015
Duración: 1 hr 30 min
País: Estados Unidos
Director: Kyle Balda, Pierre Coffin
Guion: Brian Lynch
Música: Heitor Pereira
Fotografía: Illumination
Reparto (voces): Sandra Bullock, Jon Hamm, Michael Keaton, Allison Janney, Geoffrey Rush, Steve Carrell
Calificación: 5/10

En Protegiendo al enemigo, Daniel Espinosa busca rastrear las claves de ese cine de espionaje contemporáneo con la finalidad, supongo, de tratar de capitalizar la oferta de la saga de Jason Bourne que también pertenece a Universal Pictures. Las dos horas que tiene de metraje me dejan con la sensación de que, en la superficie, es un thriller de acción que intenta mantenerse con la sinergia entre Denzel Washington y Ryan Reynolds, pero cuyo lado tenso se va perdiendo por las debilidades narrativas que lo vuelven convencional y predecible. 

La trama sigue a Matt Weston, un agente novato de la CIA que está instalado en una casa segura en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde suele esperar las órdenes de los superiores mientras conversa con su novia, pero cuya rutina monótona se ve interrumpida con la llegada de Tobin Frost, un veterano exagente acusado de traición que se entrega voluntariamente en la embajada estadounidense; viéndose obligado colaborar con él cuando unos mercenarios atacan la casa segura durante un interrogatorio. 

En general, esta premisa funciona como una base para estructurar la narrativa sobre las fórmulas habituales del thriller de espionaje internacional, donde el agente descubre una conspiración interna dentro de la agencia que lo conduce por las rutas de la traición, la lealtad y la corrupción. 

El problema central, no obstante, es que el guion mantiene a los personajes suspendidos en una inercia de situaciones circulares más allá de las motivaciones que establecen el conflicto, a menudo reduciendo sus acciones a diálogos expositivos a puerta cerrada y a persecuciones a tiro limpio por las calles congestionadas. 

Por tal razón, la trama va perdiendo gradualmente el suspense al permanecer estacionada sobre la huida de Weston y Frost mientras son perseguidos por mercenarios contratados para matarlos; las discusiones en la sala de mando de la CIA donde el jefe y sus subordinados toman las medidas para ubicar a los fugitivos por cuestiones de seguridad nacional; el plan de Frost para entrenar a Weston antes de enfrentar a los asesinos en los tiroteos dentro de las casas seguras y de destapar la verdad clasificada en un archivo secreto. Las secuencias de acción, entre otras cosas, están montadas a un ritmo trepidante que mantiene cierta cohesión, pero carecen de gancho por la manera apresurada en que se presentan. 

Además, el conflicto solo sirve para rellenar un discurso bastante obvio sobre la corrupción institucional, la erosión de la confianza y el precio de la lealtad, donde el asunto de Frost sirve como catalizador para cuestionar los métodos de la CIA —se entiende que el informante debe ser eliminado porque tiene información que expondría operaciones encubiertas de la agencia—. Estas reflexiones permanecen superficiales, subordinadas al tono vertiginoso de la acción genérica. 

Al margen de estos inconvenientes, la actuación de Washington me resulta creíble cuando aporta carisma, inteligencia y ambigüedad, interpretando a Frost como un personaje que manipula y tiene todo bajo control en los instantes de peligro. Reynolds, por su parte, ofrece una evolución convincente como Weston: del agente frustrado e inexperto al protagonista en crisis, combinando vulnerabilidad con determinación física. El reparto secundario, que incluye a Vera Farmiga, Brendan Gleeson y Sam Shepard, cumple con solvencia en algunas escenas, aunque sus roles se limitan a funciones expositivas. 

Con este reparto, la dirección de Espinosa deposita algunas cosas interesantes que se manifiestan en la elección de los escenarios urbanos para ejecutar la acción caótica, además de aprovechar un trabajo de fotografía decente de Oliver Wood para construir la atmósfera de espías a través del uso excesivo del encuadre móvil, la iluminación y la cámara rápida. Estas decisiones muestran algo de consistencia para formar el relato, pero, en última instancia, no contribuyen lo suficiente para impulsar una narrativa que se queda estancada en las convenciones genéricas.

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Ficha técnica
Título original: Safe House

Año: 2012
Duración: 1 hr 55 min
País: Estados Unidos
Director: Daniel Espinosa
Guion: David Guggenheim
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Oliver Wood
Reparto: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Brendan Gleeson, Vera Farmiga, Sam Shepard, Robert Patrick
Calificación: 5/10

Los indestructibles es una película dirigida y protagonizada por Sylvester Stallone que, de alguna manera, busca recuperar las viejas fórmulas del cine de acción ochentero al traer de vuelta a todos esos actores populares que alguna vez interpretaron a héroes de acción durante su apogeo en Hollywood. Sin embargo, el asunto nostálgico que propone no me parece que sea suficiente porque, francamente, a pesar del elenco estelar de íconos del cine de acción encabezado por el propio Stallone y Jason Statham, la película tropieza con una narrativa convencional y predecible que frecuenta demasiados lugares comunes entre explosiones y tiroteos, acumulando clichés hasta dejarme con una sensación de abulia que me impide emocionarme por lo que veo. 

La trama sigue a Barney Ross, el líder de un grupo de mercenarios de élite que, luego de recibir el encargo de la CIA, prepara una misión para eliminar al dictador del país latinoamericano que opera bajo las órdenes del ex oficial de la CIA James Munroe, reuniendo además a su equipo conformado por el especialista en armas blancas Lee Christmas, el artista marcial Yin Yang, el ingeniero químico Gunner Jensen, el especialista en armas Hale Caesar y el experto en demoliciones Toll Road. 

En general, esta premisa establece el conflicto sobre la fórmula básica del cine de acción, en la que un grupo de mercenarios ponen a prueba sus habilidades letales para matar a los malos y cumplir una misión. El problema central, no obstante, es que el guion pierde algo de cohesión al intentar añadir desarrollo a las motivaciones internas de los mercenarios y opta, a menudo, por colocarlos en una serie de situaciones anodinas que dejan el rastro de diálogos expositivos, acciones superficiales y giros bastante predecibles. 

Cuando esto sucede no puedo evitar permanecer en un estado abúlico al ver la camaradería masculina que surge de la misión de reconocimiento en la que Barney y Christmas vuelan su hidroplano hasta Vilena para obtener información de su contacto, Sandra; la alianza de Munroe con el general Garza para mantener su operación de narcotráfico en la región; la persecución en las calles en la que Barney y Yang se enfrentan a los secuaces del traidor Gunner; el operativo nocturno de los mercenarios al infiltrar el palacio del tirano para acabar con su ejército usando todo tipo de armas. 

En medio del barullo, abundan los one-liners torpes y las conversaciones que parecen salidas de un guion de serie B de bajo presupuesto. Aunque hay explosiones, balaceras y combates cuerpo a cuerpo, las secuencias de acción simplemente carecen del gancho necesario para atraparme porque caen en una inercia de gratuidad al servicio del gore y violencia extrema. La falta de desarrollo de personajes convierte a los mercenarios en una colección de arquetipos sin alma con metralleta en mano: el líder cansado, el especialista en cuchillos, el experto en armas, etc. 

Al margen de esto, las actuaciones mediocres del reparto por lo menos muestran algo de pericia física para otorgar cierta credibilidad a las escenas de acción. Esto es algo que demuestra Stallone a sus 64 años al moverse, saltar y combatir, aunque el guion lo reduce al estereotipo del soldado que tiene todo bajo control. Statham, por su lado, cumple su rol de tipo duro eficiente, a pesar de quedar subutilizado como un personaje de relleno junto a Jet Li y Dolph Lundgren. De nada sirven los cameos publicitarios de Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger. 

Técnicamente, la ejecución de Stallone muestra su desempeño para arreglar el diseño de producción que sirve como base para la acción caótica y los escenarios exóticos, con unos efectos visuales de CGI que me resultan bastante pobres. Pero su dirección, a pesar de sostenerse con un ritmo conciso, desperdicia un reparto legendario, con una premisa que confirma que, en ocasiones, el pasado del cine de acción es mejor recordarlo que intentar recrearlo de forma tan mecánica.

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Ficha técnica
Título original: The Expendables

Año: 2010
Duración: 1 hr 43 min
País: Estados Unidos
Director: Sylvester Stallone
Guion: Dave Callaham, Sylvester Stallone
Música: Brian Tyler
Fotografía: Ken Blackwell
Reparto: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Randy Couture, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Terry Crews, Eric Roberts, David Zayas, Giselle Itié
Calificación: 5/10